 |
|
|
|
|
|
Справочник по ремеслам |
 |
Вышивание
Декоративная роспись по металлу
Дымковская игрушка
Живопись, графика
Лаковая миниатюра
Лозоплетение
Набивные платки и ткани
Резьба по бересте
Резьба по дереву
Резьба по кости
Роспись по дереву
Ручное узорное вязание
Строчевышивные изделия
Художественная керамика
Художественная обработка камня
Художественная обработка металла
Художественная обработка стекла и хрусталя
Художественная роспись и набойка тканей
Художественная эмаль (финифть)
Художественное вязание и ковроделие
Художественное кружево
Художественное ткачество
Художественные изделия из кожи и меха
Художественный фарфор и фаянс
Ювелирное искусство
Вышивание
Это один из древнейших видов декоративно-прикладного искусства, широко распространенный по всей территории России. Вышивка применялась для украшения скатертей, полотенец, подзоров, праздничного и повседневного костюма, церковного облачения и утвари. В традиционной русской вышивке, отличающейся большим разнообразием, как орнаментальных мотивов, так и технических приемов исполнения, можно выделить следующие основные виды.
Мстерская вышивка, традиционный русский вышивальный промысел, сложившийся в Мстере. История промысла насчитывает несколько столетий. Его основу заложили в XVIII веке монахини женского монастыря Иоанна Милостивого, украшавшие золотым и серебряным шитьем по бархату и атласу предметы церковного ритуала — хоругви, плащаницы.
Нижегородская вышивка отличается необыкновенным многообразием технических приемов. Здесь наиболее распространена белая строчка — ажурная вышивка, иногда с добавлением цветного контура, которой украшали изделия из холста: полотенца, подзоры, рубахи и др. Крупные формы узора заполнялись разнообразными строчевыми разделками в виде мелких звезд, кружков, сеток, петелек. Особенно часто в узорах встречаются изображения птицы-павы, барса, крупных стилизованных цветов с отходящими от них плавными бегами и узорными листьями.
Ивановская вышивка издавна отличалась богатством и разнообразием технических приемов и орнаментальных мотивов. Детали костюма и предметы убранства жилища ивановские мастерицы украшали геометрическими орнаментами из ромбов, квадратов, треугольников и розеток, включая стилизованные изобразительные мотивы.
Крестецкая вышивка разновидность народной ажурной вышивки, стилистика которой сложилась к началу XX в., когда крестецкие и соседние им валдайские крестьянские мастерицы стали вышивать изделия для продажи в городе и внесли в свое искусство элементы городской культуры.
Декоративная роспись по металлу
К северу от Москвы, на живописном берегу Клязьминского водохранилища, раскинулось небольшое старинное селение Жостово, название которого дало имя всему промыслу. Сегодня оно широко известно как один из крупнейших центров русского народного искусства. Славу Жостову создали расписные лакированные подносы, которые искусные мастера создают уже более полутора веков. Жостовские мастерские славились производством шкатулок, табакерок, коробочек, кошельков и других небольших предметов из папье-маше, украшенных живописными миниатюрами. Изготовливали из папье-маше и подносы разных размеров, также с живописными изображениями, а позднее и орнаментальными цветочными композициями. Начавшись в русле лаковой миниатюры, производство подносов постепенно выделилось и развилось в самостоятельный промысел.
Вскоре жостовские мастера стали делать металлические подносы с росписью масляными красками и лаковым покрытием.
В качестве сюжетов мастера и сейчас используют натюрморты, пейзажи, образы сказочных персонажей. Но «визитной карточкой» Жостова по-прежнему остается букет.
Рожденные фантазией художника цветы собираются в венки и располагаются гирляндами на черном лаковом цветном, металлизированном или перламутровом фоне.
Дымковская игрушка
Творчество дымковских мастеров уходит корнями в глубокую древность. После принятия христианства на Руси большинство глиняных языческих богов продолжали жить под безобидным именем «игрушка». Эта маска спасла их от уничтожения в те далекие для Руси времена. Так история сохранила нам древние языческие фигуры – дымковскую игрушку. И сейчас мы продолжаем называть эти скульптуры «игрушками», хотя мало кто дает ребенку глиняную барышню или лошадку.
К середине XIX века производство глиняных фигурок достигло своего расцвета. По губернской переписи в 1856 году в Вятке насчитывалось пятьдесят девять семей игрушечников. Все они жили в слободе Дымково. С лета завозили мастера в дом красную жирную глину и мелкий чистый речной песок. Глину замачивали, смешивали с песком, тщательно переминали вручную. Поздней осенью, когда заканчивались полевые работы, всей семьей садились за лепку. Работали, как говорили мастера, «заводами», то есть партиями. Готовый «завод» устанавливали сохнуть дня на два, на три. А в это время делали новый – всадника на лошади, или кормилицу с ребенком, или барыню. Подсохшие фигурки закладывали прямо в русскую печь, где обжигали часа три-четыре.
Фигурки покрывались ровным тонким белым слоем, на который хорошо ложится краска.
После росписи куклу осторожно обмазывали яичным белком, иногда обклеивали для блеска квадратиками и ромбиками сусального золота. После революции 1917 года художник-энтузиаст А.А. Деньшин, влюбленный в дымковскую игрушку решил возродить промысел. Он собрал последних оставшихся в живых художников и убедил их в необходимости сохранить народное искусство. Только поэтому замечательные глиняные барышни продолжают радовать нас и по сей день.
Живопись, графика
Лаковая миниатюра
Искусство лаковой миниатюрной живописи – уникальный вид народного декоративно-прикладного творчества, тесно связанный с национальной традицией. В России оно возникло в древних поселениях Владимиро-Суздальской земли. Опираясь на каноны древнерусского изобразительного искусства и традиционные технологии русских лаков, мастера сумели создать особую манеру живописи, сделать свои произведения – шкатулки, коробочки, броши, декоративные панно – оригинальными, живописными, занимающими достойное место в искусстве лаковой миниатюры. Техника их изготовления сложна и трудоемка. Заготовки из папье-маше грунтовали, покрывали краской, лаком и обрабатывали термически. Живопись выполнялась теми же, что и в иконописи, темперными красками, изготовленными по древнему способу на яичной эмульсии с добавлением воды и кваса. Фантазия, творческий поиск – характерные черты русского лакового дела.
Холуй. Основополагающее влияние на формирование современной лаковой миниатюры в Холуе оказала иконопись. В росписи используются фольклорные, исторические, бытовые мотивы, в которых стилизованные фигуры изображаются на фоне условно-декоративного пейзажа. Сегодня Холуй всемирно известен как центр иконописи и лаковой миниатюры из папье-маше.
Федоскино. Федоскинские лаковые миниатюры также знамениты во всем мире. Перламутровые переливы и традиционные народные мотивы росписи делают эти шкатулки и ларцы неповторимыми. Секреты создания лакированных коробочек федоскинцы передали палешанам – мастерам, проживающим в поселке Палех Ивановской области.
Палех. До революции палехские мастера занимались исключительно иконописью, однако курс на атеизм, взятый после 17-го года, внес в их творчество коррективы. Работы палешан отличаются от федоскинских более яркими оттенками, а также мотивами росписи. В этих изделиях преобладает любовно-лирическая тематика: свидания, встречи, песни и пляски.
Мстера – еще один из уникальных центров русской национальной культуры на древней земле близ Владимира, где также была освоена технология изготовления шкатулок, ларцов, бисерниц из папье-маше, украшенных росписью. В мстерской лаковой миниатюре большую роль играет пейзаж – цветущая земля на голубом просторе неба.
Вобравшие в себя опыт и талант многих поколений, народные промыслы постоянно развиваются и обновляются, поэтому остаются живым и современным искусством, художественной ценностью, составляющей основу национальной культуры.
Лозоплетение
Набивные платки и ткани
Резьба по бересте
Резьба по бересте - традиционный народный художественный промысел, который зародился в Великом Устюге. С древних времен березовая кора – береста – использовалась для изготовления необходимых бытовых предметов, в том числе посуды. В такой посуде продукты хранятся длительное время, так как береста не пропускает тепло и свет и содержит большое количество дубильных веществ. Эти свойства материала мастера знали и использовали с давних времен. В ряде деревень Шемогодской волости Великоустюжского уезда изготавливали туеса, короба, коробочки разных форм и размеров, оклеенные тонким слоем бересты с изящным сквозным орнаментом. Эти изделия охотно раскупались на ярмарках, не раз отмечались медалями и дипломами на выставках.
И сейчас мастера успешно продолжают художественные традиции своих предшественников. Художники промысла создают разнообразные по форме изделия, возрождают забытые способы обработки коры березы. Им удалось восстановить традиционную для Русского Севера красочную роспись по бересте. Особой популярностью пользуются плтеные берестяные изделия. Современный ассортимент этой продукции насчитывает более 200 наименований: туеса, корзины, подстаканники, шкатулки, наборы сувенирных разделочных досок, тарелки декоративные, подносы, письменные наборы и многое другое.
Резьба по дереву
Богородская резьба по дереву - знаменитый русский народный промысел, зародившийся в середине XVII века. Как промысел Богородская резьба возникла еще 350 лет назад под влиянием Троице-Сергиева монастыря - одного из крупнейших центров художественных ремесел Московской Руси. Традиционная богородская игрушка - это неокрашенные фигурки людей, животных и птиц из липы, композиции из жизни русского крестьянина. Особенно интересны изделия с движением – на планках, с балансом и кнопкой. Пестрые деревянные курочки на подставке, фигурки кузнецов, мужика и медведя, - потяни за планку, и они застучат молоточками по маленькой наковальне.
Незамысловатые, но всегда остроумные по конструкции приспособления преображают игрушку, «оживляют» ее, делают выразительной и привлекательной. Медведь – один из любимых персонажей богородской игрушки, ведь он почитался славянами как предок людей и их покровитель. Символом промысла до сих пор считаются “мужик и медведь”, а подвижная игрушка “Кузнецы” стала зарегистрированным товарным знаком предприятия «Богородский резчик». Эти забавные игрушки, известные на Руси с незапамятных времен, стали основным народным промыслом для жителей подмосковного села Богородское.
Резьба по кости
Развитию в Якутии художественной резьбы по кости как народного промысла способствовало обилие мамонтовой кости, прекрасно сохранившейся в толще вечной мерзлоты. Мамонтовая кость представляет собой бивни, которые в большом количестве добывают на севере Якутии. Она имеет различные оттенки — от чисто-белой до кремовой. Наиболее ранние известные памятники художественной резьбы по кости относятся к XVIII веку. Появление в этот период на ярмарке Якутска в большом количестве мамонтовой кости послужило толчком для развития косторезного искусства. Поскольку основными заказчиками произведений из кости были зажиточные слои населения, приезжавшие из центральной России, то естественно, на формирование стиля резьбы оказали заметное влияние их вкусы и требования. Это сказалось, прежде всего, в ассортименте изделий, среди которых преобладают ларцы-теремки, шкатулки, гребни, кубки, подчасники. Но в оформление этих предметов якутские мастера вносили черты, собственных национальных художественных традиций. Сюжетные изображения в изделиях XVIII—XIX веков отличаются своеобразным реализмом. Лаконично, обобщенно мастера показывали наиболее характерные, типичные стороны своей жизни. Широким распространением пользовалось изображение коня, который играл видную роль в якутском фольклоре. Широко представлены в якутском косторезном искусстве XVIII—XIX веков сцены празднеств: приготовление кумыса, угощение гостя, сцены борьбы, танцы. Часто в изделиях из кости можно встретить сцены охоты на медведя и соболя. Вооружение охотников составляют лук со стрелами, металлические пальмы — батыя или кремневое ружье. На многих косторезных изделиях запечатлены типы якутских жилищ: зимней бревенчатой юрты, имеющей форму усеченной пирамиды, и нарядно украшенной берестяной конусообразной летней юрты — урасы. Якутская резьба по кости, зародившаяся в конце XVII века, прошла долгий путь. Художественное чутье и вкус народных мастеров привели к созданию произведений, отличающихся красотой и национальным своеобразием. В соответствии с потребностями времени менялись формы, и техника художественной обработки кости. Сегодня традиции старых мастеров продолжает большой отряд якутских косторезов.
Роспись по дереву
Хохлома – это искусство росписи на деревянных предметах – посуде, солонках, и даже мебели. Этот вид искусства возник в крестьянском быту лесных деревень Заволжья. Орнамент, созданный хохломскими мастерами, превращает самые простые бытовые вещи- деревянные чашки, ложки, тарелки в произведения искусства. Основные цвета этой росписи – это золотой фон или золотой орнамент на красном, черном, зеленом фоне. Выработанная веками техника «золотой» окраски изделий сохранилась до настоящего времени. Особенности этой техники – в получении золотистого цвета без применения золота. Классическое сочетание золота с киноварью и черным цветом, составляющее основу колорита хохломских изделий, мастера тактично дополняют коричневым, желтым и зеленым цветами. Художники промысла используют кистевые приемы письма без применения трафарета или предварительного нанесения рисунка. Наиболее характерным является «травное письмо». Украшая предмет, мастер никогда не повторяет узор. Он всякий раз по-новому располагает цветы, лепестки и листья, придавая каждому рисунку неповторимое своеобразие. Ассортимент изделий насчитывает более 140 наименований. Это бочонки, чаши-братины для медовухи, наборы для супа, салата, резные ковши, а также расписная мебель – журнальные столики, столы, табуреты. Изделия, выпускаемые объединением, украшают интерьеры жилых помещений, их дарят близким с пожеланием счастья. Они стали популярными русскими сувенирами по всему миру.
Северодвинская роспись, распространенная по обширной территории Северной Двины, отличается графичностью и яркостью. Роспись напоминает северное лето - короткое, долгожданное, очень теплое. Часто используются знаки традиционной росписи: Древо Жизни, Сирена, лев, грифон, медведь, русалка. Росписью украшались прялки, посуда, короба и сундуки. Северодвинская роспись делится на три крупных вида.
Пучужская роспись. Основу росписи составляет растительный узор, а в XIX веке почти на всех предметах быта вписывались и жанровые сцены из крестьянской жизни. В цветовой гамме преобладают белый цвет фона и красный цвет основного узора. Роспись украшается зелеными листочками и белыми точками-капельками.
Борецкая роспись – сверкает белизной фона, на которой горит ярко-красный цвет растительного узора. Сусальное золото, которым любили украшать прялки этой области, подчеркивает их нарядность.
Мезенская роспись. В ней ярко проявляются архаичные представления о мире древних людей. С рисунками в Мезенской росписи перекликаются наскальные изображения на берегах Белого моря и Онежского озера. Интересно что, что роспись выполнялась исключительно мужчинами. Развился промысел в конце XIX века в селе Палощелье на берегу реки Мезень. Роспись отличает скупость цветовой гаммы: красный сурик и черная сажа. Несмотря на кажущуюся простоту, роспись чрезвычайно интересна. Геометрические ряды, отображающие древние символы земли, солнца, воды, сочетаются со знаками коней, оленей, птиц, что в совокупности является древним способом письма.
Ручное узорное вязание
Строчевышивные изделия
Торжокское золотое шитье - это вид традиционной русской золотой вышивки, получивший широкое распространение в городе Торжок Тверской губернии и сохранившийся до настоящего времени в форме традиционного художественного промысла. По местному преданию первое упоминание об узоре из сверкающих металлических нитей относится к XIII веку. Вышитые золотом кожаные лоскутки, выполнявшие роль денег, были найдены при раскопках на территории Торжокского Кремля. XVI и XVII вв. искусницы щедро украшали шитьем одежду, головные уборы, пояса, рукавицы, обувь, предметы церковного обихода. Особенно славились и ценились изделия из кожи и сафьяна с узором из золотых и серебряных нитей. Торжок занимал на Руси одно из ведущих мест по производству сафьяна. В XVII веке в городе по указу царя Алексея Михайловича был учрежден "сафьяновый двор".
В ХVIII-ХIХ вв. работы торжокских золотошвей пользовались большой популярностью и были известны далеко за пределами губернии. Здесь шло массовое изготовление народных праздничных костюмов и головных уборов с драгоценной вышивкой. Мастерицам не раз поручалось украшать узором из сверкающих нитей царские облачения, платья знатных дворянок. Так, во второй половине XVIII столетия золотыми травами и звездами было расшито парадное платье Екатерины II, а в 1855 г. готовили порфиру с гербами к коронации Александра II. Подлинные творчество и фантазия швей раскрывались в декорировании народной одежды. Рисунки для вышивки составляли сами мастерицы. Наиболее характерны растительные узоры, основным мотивом которых была ветка розы с цветами, бутонами и листьями, дополненные завитками, усиками, блестками, которые смягчали переход от рельефного орнамента к фону.
Неповторимое искусство золотой вышивки получило свое дальнейшее развитие. На рубеже XIX-XX веков искусство торжокских швей было отмечено высшими наградами крупных международных выставок в Париже, Лондоне, Турине и др. В настоящее время Торжок является самым крупным золотошвейным центром в России.
Художественная керамика
Гжель. Гжель - это колыбель русской керамики с более чем шестивековой историей. Старинный гончарный район Гжель, возник в 50 верстах от Москвы еще в XIV веке. Край этот был необычайно богат гончарными глинами. Поэтому едва ли не всё население почти трёх десятков окрестных деревень и сёл издавна занималось изготовлением глиняной посуды, тем более что и в топливе недостатка не было – вокруг тянулись дремучие леса. Не случайно в самом слове «Гжель» слышатся отзвуки глагола «жечь». Гжельские изделия всегда имели ярко выраженный народный характер, несли в себе национальные черты. У Гжели собственный стиль – орнамент на белом фоне: синие и голубые узоры и цветы. Роспись производится кобальтом, который в ходе технологического процесса приобретает характерный для Гжели синий цвет. Символично, что уже в XIX в. слова «Гжель» и «Русская народная керамика» стали в значительной мере синонимами.
Майолика. Основное отличие майолики от гжели – в ее многоцветии. Гжельцы изготовливали из майолики почти весь ассортимент необходимой в домашнем обиходе посуды: мелкие и глубокие тарелки, столовые сервизы, кружки, кувшины. Иногда это были глиняные изделия, только политые белой эмалью, без росписи, но они ценились за белизну и гигиеничность. Однако потребность в нарядных, ярких художественных изделиях всегда жила в народе. Каждому настоящему мастеру хотелось создать вещь своеобразной формы, с интересными или забавными деталями, выбрать сюжет для росписи, понятный заказчику, расцветить яркими красками. Так появились в Гжели цветные сосуды для кваса, браги, пива, получившие впоследствии название квасников и кумганов, декоративные настенные блюда, кувшины в виде двуглавых орлов, оригинальные чернильницы. Фарфор с нарядной синей росписью и многоцветная майолика сегодня известны не только в России, но и за ее пределами. Сегодня Гжель - это вазы, статуэтки, игрушки, изделия интерьера: камины, люстры и другие фарфоровые изделия. Продукция "Гжели" пользуется устойчивым спросом на Российском и международном рынке.
Художественная обработка камня
Резьба по камню - один из самых старинных народных художественных промыслов.
Камнерезное искусство в России было развито еще в IX-XII вв. До XVII в.
поделочный цветной камень в России не добывали, а привозили главным
образом из Византии, Средней Азии и различных стран Западной Европы.
Художественная обработка металла
Художественная обработка стекла и хрусталя
Художественная роспись и набойка тканей
Художественная роспись по ткани – батик. С незапамятных времен использовалась в древнем Шумере, Перу, Японии, Шри-Ланке и африканских странах. Родиной батика считается остров Ява в Индонезии, там и сейчас популярна одежда из тканей, расписанных вручную. Собственно батик - это способ окрашивания тканей, основанный на применении специального вещества - резерва, не пропускающего краску. После того, как на ткани сделан рисунок резервом, а свободные участки прокрашены, резерв снимается, и на его месте остается узор.
В России батик появился примерно в 20-е годы прошлого столетия. Русские художники объединялись в артели и занимались производством платков, шалей и нередко получали заказы на театральные и сценические занавеси или шторы для кафе. В 30-х годах занятие батиком было замечено и поддержано на правительственном уровне. Сейчас батиком называют практически все виды ручной росписи ткани: узелковый батик, холодный батик, горячий батик, роспись с помощью аэрографа. Это очень тонкое искусство, ведь раз нанесенную краску уже нельзя ничем ни стереть, ни закрасить.
Настоящий батик создается вручную и излучает тепло. Он вобрал в себя особенности и художественные приемы русских художественных традиций и многих изобразительных искусств, таких как акварель, пастель, графика, витраж и т.п.
Художественная эмаль (финифть)
Художественное вязание и ковроделие
Художественное кружево
Творческие находки русских мастериц настолько самобытны, что вошли в общую историю культуры под названием «русское кружево». Самостоятельность русского кружевоплетения выражается в богатстве колорита, разнообразии технических приемов и, главным образом, в изобразительном характере орнамента, свойственном всему русскому народному искусству. В XVIII веке уже можно говорить о проявлении ярких особенностей, характерных для отдельных мест его производства, таких как Галич, Ростов Великий, Калязин, Торжок, Рязань и Михайлов, Балахна, Орел и Елец. Всего в царской России насчитывалось 17 районов, где плели кружева. Как центр производства кружева в России наиболее известна Вологда. Под названием «вологодское» часто подразумевалось русское кружево вообще. Между тем рязанские, тверские, орловские мастерицы создавали работы исключительной красоты и вполне могли оспаривать у Вологды первенство в этом смысле. Единая основа в русском народном орнаменте (мотивы узоров, композиции) в каждой местности имела свою трактовку, соответственно вкусам и пристрастиям мастериц, местной моде. Такой индивидуальный подход делал вещи разных мест оригинальными, самобытными. Традиционно повторялись уже имеющиеся узоры, но способы их передачи отличались в каждой местности, что позволило сохранить своеобразие отдельных типов русского плетеного кружева. В самом конце XIX века многие рисунки русского кружева стали перемещаться из одной области в другую, в зависимости от спроса. Так в это время традиционное белое вологодское кружево все чаще оживляется цветной сканью, а в отдельных случаях исполняется целиком. Но влияние вологодских художественных традиций, несомненно. И, несмотря на самобытность кружевоплетения каждой российской области, оно явно сказалось в искусстве большинства мастериц русского кружевоплетения.
Художественное ткачество
Художественные изделия из кожи и меха
Художественный фарфор и фаянс
Создан в 1744 году по указу дочери Петра I императрицы Елизаветы сподвижником М. Ломоносова, русским химиком Д. Виноградовым для того, чтобы изготавливать фарфор для царского двора. Изначально имел статус Императорской фарфоровой мануфактуры и располагался в 10 верстах от Петербурга. Императорский фарфоровый завод — явление уникальное. Его продукция — художественный фарфор, является первым фарфором России, как по времени своего возникновения, так и значительному вкладу в российскую и мировую культуру. Более 260 лет история Императорского фарфорового завода неразрывно связана с историей России, а его продукция — художественный фарфор — представлена в собраниях крупнейших музеев мира. За право обладать изделиями ИФЗ состязаются коллекционеры на престижных аукционах «Сотбис» и «Кристи». Изделия Императорского фарфорового завода на протяжении столетий украшали дворцовые интерьеры Северной Пальмиры и пригородных резиденций царствующей династии Дома Романовых, создавая парадный облик блистательного Петербурга. И сегодня уникальные изделия Императорского фарфорового завода представляют собой большую художественную ценность. Мастера завода выполняют сложнейшие заказы Кремля, Правительства РФ и зарубежных государств. Изделия завода, представленные на рынке в сегменте Luxury, не имеют равных себе ни в России, ни за рубежом. Это стало возможным благодаря сохранению вековых традиций высочайшего исполнительского мастерства, редких технологий в производстве фарфора, неиссякаемому потенциалу творческого коллектива. Традиция регулярного пополнения заводского музея была сохранена и в XX веке, в том числе в советскую эпоху. Сегодня коллекция включает образцы продукции завода с середины XVIII века — до современных работ художников и находится под патронажем Государственного Эрмитажа, а музей, расположенный непосредственно на заводе, стал филиалом мировой сокровищницы культуры. Императорский фарфоровый завод — один из немногих сохранившихся заводов, которому удалось пережить катаклизмы революций и войн, целые исторические эпохи, и при этом на протяжении почти трех веков постоянно создавать «фарфоровую летопись» Северной Пальмиры и всей России.
Ювелирное искусство
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
